Lobby Art Gallery

Jogo

Jogo est une expression innovante et audacieuse de l’art contemporain qui fusionne l’élégance avec l’énergie vibrante du pop art. Chaque sculpture Jogo est un chef-d’œuvre unique, minutieusement conçu pour captiver les sens et stimuler l’imagination. Avec ses couleurs audacieuses et son design dynamique, chaque Jogo est une déclaration de style et de sophistication.

Juan Manuel Abellán

In corpus. Exposition photographique

Cette exposition propose un voyage en trois actes à travers une sélection de séries créées par l’artiste de 2007 à 2024, où la notion de corporalité est remise en question. À travers un dialogue entre la photographie, la performance et la danse, les différentes séries explorent des thèmes tels que l’absence et la mémoire.

Leire Urzaiz

Quelque chose de différent

Première exposition de l’artiste née à Bilbao où toutes ses toiles sont lourdes : où elles portent leur histoire laminée sous ce multiple pentimento qui façonne ce que nous voyons. Et aussi ce que nous ressentons. Ces œuvres ont mangé la lumière et montrent à travers un interstice une partie de cette luminosité. La luminosité tardive

Javier Melús

Javier Melús, une vraie référence en Pop art actuel, présente une sélection d’œuvres de style Pop art. Des tableaux empreints d’une grande charge visuelle dans lesquels l’ironie, l’humour et l’ambigüité sont très présents. Ils ne transmettent pas de message précis, le quotidien étant ce qu’il y a de réellement important, et il revient vraiment au spectateur d’en faire l’interprétation de ce qu’il voit.

Autodidacte qui a évolué depuis la représentation des paysages de Navarre, sa région natale, jusqu’au collage, l’expérimentation technique, l’exploitation des matières et l’expression ironique et humoristique au moyen d’icônes de la bande dessinée, de la publicité ou du cinéma. Javier Melús a exposé ses travaux dans des galeries et des centres culturels nationaux et internationaux.

Joo Eun

Sanguiun

Sanguiun est une invitation à changer de regard sur les montagnes, dans la solitude et le silence pour être à l’écoute de leur âme et de notre âme propre, et pour ressentir le lien qui existe entre nous et la nature.

Le langage utilisé par Joo Eun se compose des silences qui peuplaient les montagnes et des silences qui accompagnaient son enfance, parfois agréables, et parfois terrifiants. Au fil du temps, le silence est devenu son langage, qu’elle représente au travers de paysages de brouillard, de décors enneigés vierges de toute trace humaine, de nuits obscures, etc. Dans ces œuvres, l’artiste représente une expérience mystique de la nature qui se déclenche dans la tension entre l’obscurité et la lumière qui éclaire le chemin. Le chemin illuminé, plein de mystères et de sensations intimes, nous invite à l’emprunter.

Joo Eun réalise ses œuvres au moyen de procédés peu courants basés sur l’eau, la terre et quelques pigments, qui donnent vie à des textures très intéressantes. Ces œuvres font référence au cosmos et à la terre d’un point de vue et avec une sensibilité à cheval entre l’orient et l’occident, qui évoquent également le caractère mystique et ancestral de la nature.

Coco Dávez

Faceless

Faceless, ce sont des portraits basés sur la simplicité des formes et la combinaison de couleurs pures qui cherchent à percevoir le caractère essentiel de chaque personnage. Le visage disparait pour représenter l’énergie de la personne dépeinte.

De cette manière, la représentation réaliste est mise de côté en faveur de la couleur pure, pour mettre l’accent sur l’expression des sentiments, des vécus et des souvenirs que transmet à l’auteur la personne dont on fait le portrait. Coco Dávez fait en sorte que chaque portrait possède un symbolisme de caractère très personnel, marqué par sa conception vitale.

Dans un processus de schématisation et de synthèse, la jeune artiste madrilène transforme le personnage en une icône, un symbole. Une palette fauviste par laquelle passent Picasso, Frida Kahlo, Le Corbusier, David Lynch, Jacques Cousteau, Grace Jones, Basquiat, Yayoi Kusama… Un voyage pictural au sein de la culture populaire du XXe siècle, orchestré par une des plus grandes artistes du moment.

Coco Dávez (Madrid, 1989) débute sa carrière artistique à Londres en 2010 lorsqu’elle commence à collaborer comme illustratrice pour le journal « El Mundo ». Elle développe sa carrière dans les domaines de la direction d’art, de la photographie et de la peinture, le domaine le plus reconnu.

Pour travailler, elle utilise des crayons, des gouaches, de l’encre ou des acryliques, en les conjuguant à d’autres techniques. Elle a animé des ateliers sur l’illustration et a exposé à Paris, Lisbonne, Santiago du Chili, dans le Queens­land…

« Faceless », son dernier grand projet, est le livre illustré publié par Lunwerg et présenté à la FNAC de Madrid et de Barcelone.

Josune García Larrañaga

Première exposition dans la Lobby Art Gallery

Lors de cette première occasion, notre Lobby Art Gallery a exposé le travail de Josune García Larrañaga, une peinture abstraite et envoûtante à la fois qui suscite de l’émotion. « Je souhaite que le spectateur ne voie pas seulement la pièce, mais l’expérimente, et qu’en s’imprégnant de ses couleurs et de son énergie, il puisse, à travers elle, se rapprocher un peu plus de son côté émotionnel », explique Josune.

« Pour moi, l’art est un processus méditatif qui me permet de m’abstraire d’un esprit hyper-rationnel. La recherche de la perfection, les règles et le désir de contrôler s’effacent, et seul reste un espace où l’âme peut s’exprimer », conclut-elle.

Danielem

Art en papier artisanal

« Au moyen de cette exposition, j’ai cherché à représenter ma vision particulière de l’histoire et du portrait, plus particulièrement le côté royal, en référence à l’élégant et incomparable cadre d’exposition dans lequel nous nous trouvons. J’ai toujours été un passionné de peinture classique et de portrait, avec l’aspiration d’aller un peu plus loin dans la volonté de la contemporaniser », remarque Daniel Esteban, dit « Danielem ».

Danielem crée des œuvres réalisées intégralement en papier, sans intégrer de peinture à aucun moment, dans lesquelles les jeux d’ombre, les transitions ou les volumes ne sont rien de plus que le contraste produit entre des supports de tonalité et de nature différentes. Des papiers artisanaux utilisés essentiellement dans le monde de la reliure, qui par leur nature et leur particularité, octroient à l’œuvre un caractère unique, inimitable et incontrôlable, car en associant de nombreuses pièces, les nuances et les motifs du papier renvoient plus que la propre volonté de l’auteur.

Sandra Val

Les blessures de l’âme : fractures, nœuds et creux

La méthode de travail de Sandra Val est une somme d’éléments où se répète de manière caractéristique le besoin de reconstruire de nouvelles formes à partir du fragment, de l’élément abîmé-déchu ou oublié. Il existe une certaine obsession à reconstruire le grand puzzle que représente toute vie marquée par l’oubli, pleine de lacunes et d’absences, à créer des unités complètes pourvues de sens au moyen de la recherche.

« Mon œuvre est le reflet de ma propre vie, elle surgit de la blessure causée par l’oubli et le silence, et se transforme en une cicatrice qui nous rappellera toujours ce qui s’est passé. Les cicatrices sont, par conséquent, un symbole de guérison, de progression et de dépassement de ce qui nous rend plus forts et résilients », souligne l’artiste.

Misterpiro

Through The Glass

La Gran Vía madrilène en tant que paradoxe de la rue, de tout ce qui s’y passe et de ses transformations permanentes. De nos jours, avec l’intensité de la ville et les fluctuations de son énergie, surgit Through the Glass pour absorber cette énergie, la capitaliser sous forme de couleurs vibrantes et la faire entrer dans un espace où il est possible de l’exploiter et de la répandre partout à la vue de ceux qui traversent cette même atmosphère d’où elle provient. Un espace emblématique qui, pour la première fois, se laissera entièrement transformer.

Through the Glass est une exposition site-specific de Misterpiro, un artiste urbain révélation. Peinture, intervention et installation ont figuré parmi les compositions que l’artiste a créées en direct à mesure qu’il s’est familiarisé avec l’environnement et, par là-même, il s’est approprié son univers fantastique.

Sol Felpeto

Poop Arttoons

Animaux et art fusionnent dans l’œuvre de Sol Felpeto, formée de pièces que l’on pourrait qualifier de « multi-style », même si la philosophie de l’artiste a toujours été de reproduire n’importe quelle technique au moyen de son matériau favori : l’acrylique. La collection exposée à l’Hotel Emperador a permis la connexion entre un élément déjà connu, comme des pièces d’art iconiques, et un élément complètement nouveau.

L’artiste vénézuélienne définit son travail comme « un spectacle pour divertir le public, qui nait de la nécessité de surprendre et d’amener à l’observation au lieu de l’interaction ».